kulturprotokoll

An die Filmfestspiele Berlin GmbH und den Intendanten Dieter Kosslick

Sehr geehrter Herr Kosslick,

mit Bestürzung haben wir die Informationen über iranische Filme im Programm der 59. Internationalen Filmfestspiele in Berlin zur Kenntnis genommen. Wir sind entsetzt darüber, Herr Kosslick, dass Sie im Namen des „kulturellen Dialogs“ einen Propagandafilm über den iranischen Präsidenten und Holocaustleugner Ahmadinedjad zeigen. Der iranisch-kanadische Coproduktionsfilm mit dem Titel „Letters to the President“ versucht, dem Publikum einen verächtlichen Präsidenten als „human und volksnah“ darzustellen.

Im Iran werden permanent Regimekritiker, Andersdenkende, Künstler und Dichter, Schauspieler, Schriftsteller und Kulturaktivisten inhaftiert und hingerichtet. Der Terror gegen religiöse Minderheiten wie die Bahá’í wird intensiv und systematisch vorangetrieben. Frauen werden im Iran öffentlich gedemütigt und erniedrigt. Schwule und Lesben werden brutal verfolgt. Die Inhaftierung und Folter von Menschenrechtsaktivisten, Gewerkschaftern, Lehrern und Studenten gehören zur Tagesordnung.

Die Außenpolitik des schiitischen Regimes basiert auf Vernichtungsantisemitismus gegenüber den Juden in der Welt und Israel, umgesetzt durch die Unterstützung des islamisch-terroristischen Fundamentalismus sowie durch die atomare Aufrüstung des iranischen Regimes.

Es ist Ihnen bekannt, dass unter dem islamischen Regime alle Filme den rigiden Vorgaben der islamischen Zensur gehorchen müssen. Sie wissen auch, dass nur solche Filme gefördert und zugelassen werden, die den Vorgaben des „Iranischen Ministeriums für Islamische Kultur und Unterweisung“ entsprechen. Die von diesem Ministerium abgesegneten Festivalbeiträge erlauben zwar wohldosierte Sozialkritik, fungieren aber gerade dadurch als notwendige Propaganda zur Täuschung der internationalen Kulturbühnen, denn viele dieser Filme werden nur für die Filmfestivals gedreht, und es ist untersagt, diese in iranischen Kinos zu zeigen.

Seit Jahren hat sich die Berlinale unter Ihrer Leitung, Herr Kosslick, durch auffallende Nähe und Verbundenheit zu den offiziellen Regierungsstellen im Iran hervorgetan. Damit unterstützen Sie eine Form des Kulturaustauschs, der eine wichtige Legitimation dieses Terrorregimes darstellt. Den Menschen im Iran ist dadurch nicht geholfen. Im Gegenteil: Unter dem Deckmantel eines „kulturellen Dialogs“ wird ein Regime hofiert, das die Islamisierungspolitik im Iran und weltweit aggressiv vorantreibt und alle nicht-islamischen Elemente der persischen Kultur und Zivilisation, sowie im Iran lebende ethnische Minderheiten, Kulturen und Religionen immer weiter zurückdrängt und vernichtet.

Wir fordern daher Ihren Rücktritt, Herr Kosslick, da Sie als Intendant hauptverantwortlich dafür sind, dass die Berlinale dem iranischen Regime seit Jahren als Bühne für seine Propaganda dient. Wir fordern außerdem, die Filme aus dem Iran sowie die iranisch-kanadische Coproduktion „Letters to the President“ aus dem Programm zu nehmen, da sie keinen künstlerischen Beitrag, sondern Propaganda für das iranische Terrorregime darstellen.

Wir werden unsere Forderungen mit Protesten während der Berlinale öffentlich machen.

Mit freundlichen Grüßen

Arman Nadjm (Filmemacher und Dramaturg)

im Auftrag des Clubs Iranischer und Europäischer Filmemacher (CIEF

Kontakt: cief.berlinøgooglemail.com

Ich habe, soweit ich mich errinern kann, seit Jahren keinen Film mehr von Woody Allen gesehen. Dass ich aber immer mal wieder einen Film von Allen angeschaut habe, hängt letztlich mit der Ausstrahlung seines Meisterwerks zusammen: Annie Hall, der in Deutschland unter dem Titel “Der Stadtneurotiker” lief. Damit will ich aber nicht sagen, dass seine Filme einfallslos sind oder gar schlecht.

Auch “Melinda and Melinda” ist weder schlecht noch einfallslos. Ganz im Gegenteil. Woody Allen zeigt in diesem Film, dass er sein Handwerk in vielerlei Hinsicht meisterhaft versteht.

Vier Freunde sitzen in einem gemütlichen Restaurant beisammen und unterhalten sich angeregt und interessiert über die Geschichten, die das Leben schreibt. Ist das Leben eine Tragödie, ist es eine Kommödie? Ist die Geschichte von Melinda, die eines Abends plötzlich vor der Tür ihrer Freundin steht, komisch oder tragisch? “Melinda and Melinda” entscheidet sich nicht, sondern führt beide Versionen vor.
Melinda wird in beiden Versionen – in der tragischen und in der komischen – von derselben Schauspielerin gespielt, während die Besetzung der anderen Rollen wechselt. Jede Version hat ihre Schauspieler, die im Sinne der Erzählweise anders charakterisiert sind. Woody Allen entwickelt in seinem Film neben der “Rahmenhandlung” der Freunde im Restaurant, zwei unabhängige Handlungsstränge, die Melindas Geschichte interpretieren: Melinda Kommödie und Melinda Tragödie.

Einen Film aus verschiedenen Sichtweisen zu schildern ist nicht ungewohnt. Verschiedene Sichtweisen aber als bloße Möglichkeiten zu präsentieren, scheint mir problematisch, denn Film ergreift uns nicht dadurch, dass er über Möglichkeiten “theoretisiert”, sondern Wirklichkeiten vorführt. Auch in diesem Zusammenhang ähnelt der Film dem Traum, der uns im Schlaf alles andere als “verträumt” daher kommt.

“Melinda and Melinda” ist “an sich” wohl ein guter Film. Wie viele andere Filme Woody Allens ist er “für mich” ganz interessant, aber nicht mehr – bis auf eine Ausnahme: Radha Mitchell in der Rolle der Melinda.

“Melinda and Melinda” lief am 27.12.2004 im Madrider Kino “Renoir Princesa” in originaler Fassung mit spanischen Untertiteln. Der Filmstart ist in Deutschland für den 25.4.2005 angekündig

Ein Fischerdorf irgendwo an der kanadischen Ostküste. Die knapp 150 Einwohner leben von der Sozialhilfe und sind nicht besonders glücklich dabei. Den Scheck, den sie regelmäßig im Postamt bei der schönen Eve [Lucie Laurier] abholen empfinden sie als eine genauso regelmäßige Erniedrigung.
Die mögliche Ansiedlung einer Fabrik lässt das Dorf hoffen, obwohl es eine scheinbar unerfüllbare Bedingung gibt: das Dorf muss einen Arzt haben. Und um den zu bekommen, legen sich die Menschen in Sainte-Marie-La-Mauderne nochmal richtig ins Zeug.

Mit Hilfe einer telefonischen Abhöraktion versuchen die Dorfbewohner die Vorlieben des Artzes zu kennen und sich im besten Licht darauf einzustellen. Sie hassen Cricket, tun aber alles, um dem Cricket begeisterten Arzt [David Boutin] ihre Liebe zum Cricket zu zeigen.
“Die große Verführung” ist ein Märchen, das gut in die Weihnachtszeit passt. Seine Darsteller und Darstellerinnen sind sympathisch. Die mitunter sehr witzigen Stellen des Films entschuldigen die Einfachheit der Geschichte und deren Voraussagbarkeit.

“Die große Verführung” lief am 17.12.2004 im Stuttgarter Kino “Atelier am Bollwerk” in deutscher synchronisierter Fassung.

Peter [Stipe Erceg] und Jan [Daniel Brühl] sind Freunde. Revolutionäre. Anarchisten. Aus seiner Zeit als Installateur von Alarmanlagen hat Peter eine Liste mit Berliner Villen, in die die beiden nun nachts eingsteigen. Sie erschrecken niemanden, sie lassen nichts mitgehen, sie machen nichts kaputt. Sie ordnen nur das Intereur um. Sie stellen die Stereoanlage in den Kühlschrank und türmen Stühle und Sessel auf dem Couchtisch auf. Dann verschwinden Sie wieder. Was sie hinterlassen ist eine Nachricht, in der es heißt: Die fetten Jahre sind vorbei.
Jule [Julia Jentsch] ist Peters Freundin. Sie arbeitet als Kellnerin in einem Nobelrestaurant. Sie hat sehr hohe Schulden, denn bei einem Unfall hat sie mit ihrem unversicherten Auto einem “reichen Wichser” namens Hardenberg den Benz zu Schrott gefahren, einen Benz, den “der sich mit dem Geld aus der Portokasse gekauft hat”.

Als Jan Jule bei der Wohnungsrenovierung hilft, kommen sich die beiden näher. Jan erzählt Jule von seinen nächtlichen Ausflügen mit Peter, und als die beiden durch einen Zufall die Villa des “reichen Wichsers” Hardenberg entdecken, läßt Jan sich von Jule überreden, dieser Villa mit ihr einen “revolutionären Besuch” abzustatten. Als plötzlich Hardenberg [Burghard Klaußner] vor ihnen steht, haben Jule, Jan und Peter ein großes Problem.

“Die fetten Jahre sind vorbei” ist “objektiv” ein schlechter Film.
Die mit zwei Videokameras aufgenommenen Bilder sind auch aufgrund es Verzichts auf professionelle Beleuchter in Szenen mit wenig Licht wenig mehr als erträglich. Auf den Einsatz von Stativen wurde weitgehend verzichtet, was die Qualität der Bilder sicherlich nicht steigerte. Jentsch, Erceg und Brühl sind erfahrene Schauspiele; die eine oder andere Regieanweisung bezüglich Sprechweise und Bewegung hätte allen Dreien aber durchaus gut getan: Bewegungen und Dialoge wirken häufig etwas dürftig.

Wie man ohne starke Regie überzeugend eine Rolle spielt, zeigt allein Burghard Klaußner in der Rolle des Entführten.

Warum als Autoren des Drehbuchs nur Katharina Held und Hans Weingartner genannt werden, mag gängige Filmpraxis sein, sollte aber nicht vergessen lassen, dass Julia Jentsch, Stipe Erceg und Daniel Brühl durch ihre durchaus auch sehr gelungenen Improvisationsfähigkeiten maßgeblich zur Ausgestaltung der Story und damit zum Drehbuch beigetragen haben.

“Die fetten Jahre…” mag “objektiv” ein schlechter Film sein, aber Objektivität und Film passen nun gar nicht zusammen. Und jede Kritik, die das Subjekt vergisst, bleibt hohl.

In diesem Sinn ist das Werk von Hans Weingartner einer der besten Filme, die ich in letzter Zeit gesehen habe.

Die ungepflegten Typen und deren nihilistisch-revolutionäre Faseleien von “reichen Wichsern”, “Fernsehverblödung” und “kapitalischen Systemen” brachten mich anfangs in eine Anspannung, in der mit allem zu rechnen war.

Es bleibt lange unklar, wohin der Film überhaupt will. Will er was sagen, will er nichts sagen, will er die Menschen vor der Leinwand oder will der die Typen hinter der Leinwand kritisieren. Sind die gut oder sind die böse? Im Ernst oder aus Spaß?

In dieser Spannung war mit allem zu rechnen. Schmeißen Jule und Jan ihre Bierflasche vom Hochhaus runter auf eine belebte Straße und meinen das wäre ein revolutionärer Akt? Macht Jule ihre Wut an den verwöhnten Gästen ihres Lokals durch einen Amoklauf Luft?

Und dann steht Hardenberg plötzlich da. Geht auf Jule los, die ihm “irgendwie bekannt vorkommt” und wird von Jan niedergeschlagen. Was passiert? Was könnte passieren?

Jule hat einen Onkel. Der hat eine Berghütte in Tirol. Dort fahren sie hin. Peter begreift nicht, wie Jan Jule hat da rein ziehen können. Jan ist reumütig, weiß, dass er etwas falsch gemacht hat. Aber vor allem gibt es jetzt kein Zurück mehr. Hardenberg ist den Dreien ausgeliefert.

Je weiter der Film fortschreitet, umso stimmiger wird er. Und je näher das Ende kommt, desto näher kommt auch der Anfang.

Und die Kritik von Einstellungen, Dialogen, Bewegungen, Regieanweisungen, Drehbuch, Improvisationen ist, was es ist: Gefasel.

“Die fetten Jahre sind vorbei” lief am 29.11.2004 im Stuttgarter Kino “Delphy”. Sehr schön die Website zum Film, von der auch die Bilder stammen.

Ich meine mich an ein Interview mit Sydney Pollack zu erinnern, in dem dieser sagte, dass “Jenseits …” ein Film für Erwachsene sein sollte. Und das ist, glaube ich, der Grund, warum ich den Film so mag.
Die Geschichte basiert auf Erlebnissen der dänischen Schriftstellerin Tania Blixen (Pseuchnym Isaac Dinesen). Als Vorlage gedient haben, folgt man dem Dirk Jasper Filmlexikon, auch Romane von Judith Thurman und Errol Trzebinski.

Tief berührt haben mich u.a. folgende Szenen:

Denys Finch Hatton (alias Robert Redfort) kommt bei einem Flugzeugabsturz ums Leben. Er wird auf einer Anhöhe beerdigt. Während der Beerdigungszeremonie liest Tania Blixen (alias Meryl Streep) ein Gedicht. Als sie fertig ist, nimmt sie Erde in die rechte Hand, um sie ins offene Grab auf den Sarg ihres Geliebten zu werfen. Sie zögert, zittert ein wenig, hält inne, wirft die Erde nichts ins Grab, nimmt sie an sich und wendet sich weinend ab.

Die Kaffeeplantage ist zerstört. Es gibt keine Möglichkeit mehr, weiterzumachen. Sie hat zuviel Geld verloren. Die Kamera zeigt Bilder der Plantage, der Menschen, der Farm, und im Off spricht Tania Blixen. Sie sagt, dass sie viel von den Menschen hier gelernt hat, dass die Zeit wichtig für sie war, dass Afrika ein Teil von ihr geworden ist und fragt, ob sie auch ein Teil von den Menschen geworden ist. “Werden die Kinder einmal ein Spiel spielen, in dem mein Name vorkommt….?”

Zu Anfang des Films, als Tania Blixen etwas hilflos in Afrika ankommt, läuft sie auf der Suche nach einer Ansprechperson in den an ein Café erinnernden Raum eines Männern vorbehaltenen Privatclubs. Alle verstummen, als sie den Raum betritt. Schweigen. Mit einem Blick weist einer der Herren den indischstämmigen Kellner an, die Frau sofort zum Verlassen des Raumes aufzufordern.Tania Blixen weiß nicht, was sie falsch gemacht hat, hat ihre Frage, die unbeantwortet bleibt, noch auf den Lippen und läßt sich hinausführen. Sie scheint nicht zu verstehen, dass das Bewahren von Formen wichtiger als alles anders sein kann. Am Ende des Films, wiederholt sich diese Situation. Tania Blixen will sich von jemandem aus dem Club verabschieden. Den Raum will sie nicht betreten. Sie scheint mit dem Verlust ihrer Farm auch ihr Selbstvertrauen verloren zu haben. In Anerkennung ihrer Person wird sie nun aber in den Raum gebeten. Und man stößt auf sie an.

Denys Finch Hatton hat soeben das Flugzeug, mit dem er später tödlich abstürzt, bekommen. Er lädt Tania Blixen zu einem Flug ein. Sie fliegen über die weiten Landschaften Afrikas, die Wälder, die Täler, die Tiere. Irgendwann fliegt das Flugzeug über einen See hinweg, in dem zahlreiche Flamingos aufgescheucht werden.

So ist das beim Film: Versteht der Zuschauer den Film, fühlt sich der Zuschauer verstanden.

Die DVD “Jenseits von Afrika” habe ich zu meinem Geburtstag bekommen. Ich hatte irgendwann einmal erwähnt, dass dieser Film einer meiner Lieblingsfilme ist.

Zwei junge Menschen in Schottland: Roisin [Eva Birthistle] und Casim [Atta Yaqub]. Sie ist irischer Abstammung, seine Eltern kommen aus Pakistan.
Sie verlieben sich.

Sie bekommt Probleme in ihrem Beruf als Lehrerin an einer katholischen Schule, er bekommt Probleme mit seiner moslemischen Familie.

Eine einfache Geschichte, über die es nicht viel zu sagen gibt.

“Just a Kiss” ist nicht das Meisterwerk von Ken Loach. Dafür ist der Film zu undramatisch. Aber seine fehlende Dramatik macht den Film nicht ärmer, sie scheint zu ihm zu gehören und eine seiner Qualitäten auszumachen. Hätte Ken Loach die Geschichte dramatischer gestalten wollen, hätte er dies getan. “Just a Kiss” ist aber vor allem eine Liebesgeschichte.
Die religiösen und soziale Bezüge der beiden Protagonisten bilden den Hintergrund der Liebe, die Roisin und Casim für einander empfinden. Ken Loach ist bemüht, die Liebenden nicht im Hintergrund verschwinden zu lassen. Er zeigt keine Helden, sondern Personen.

Der Film ist aber vor allem kein Meisterwerk, weil sein Drehbuch etwas zu vorhersehbar ist und seine Schauspieler ihren Rollen nur dank des guten Willens der Zuschauer überzeugen, die für ihn aufgrund ihrer Schönheit und ihres Charmes Sympathieträger sind. Das gilt vor allem für die erfahrene Eva Birthistle in der Rolle der Roisin und für den “Neuling” Atta Yaqub als Casim.

“Just a Kiss” lief am 28.11.2004 in synchronisierter Fassung im Stuttgarter Kino “Delphy”.

Drei Brüder: der “Transvestit” Agnes [Martin Weiß], der “Onanist” Hans-Jörg [Moritz Bleibtreu] und Werner [Herbert Knaup], der Staatsekretär im Umweltministerium. Der Vater [Vadim Glowna]: ein wohlhabender Althippie. Die Mutter: nach den Erzählungen des alkoholisierten Vaters in Stammheim gestorben, “weil ihr ein Gefängniswärter mit einem Feuerlöscher das Gesicht zertrümmert hat.”
Agnes wird von ihrem Freund Rudi [Oliver Korittke] vor die Tür gesetzt, findet bald aber eine neue Bleibe. Sie trifft auf ihre alte Liebe Henry, einem erfolgreichen Musiker aus New York. Beide empfinden immernoch etwas für einander, Agnes brennt nicht mit ihm durch, vielleicht weil sie weiß, dass sie sehr krank ist.

Hans-Jörg [Moritz Bleibtreu] ist Bibliothekar, “sexsüchtig” und ohne Chance bei den vielen Studentinnen der Uni-Bibliothek; entweder ignorieren diese ihn, machen sich über ihn lustig oder nutzen ihn aus. Hans-Jörg verschafft sich Erleichterung u.a. als Voyeur auf dem Damenklo. Die Schuld für die Probleme mit sich und den Frauen gibt Hans-Jörg seinem Vater. Gegenüber seinen Brüdern wirft er diesem sexuellen Missbrauch vor.

Werner ist bei den Grünen. Er verrichtet, als er mit “Joschka” telefoniert, auf einen Bogen Papier, den er sich entsprechend zurecht legt, seine Notdurft. Er wird dabei von seinem Sohn Ralf, der Filmemacher werden will, gefilmt. Werner ist im Beruf erfolgreich, zu Hause ist er es nicht. Sein bester Freund ist sein Hund. Sein Verhältnis zu seinem Sohn Ralf ist durch dessen intensive Beziehung zu seiner Mutter gestört. Seine Frau hat das (sexuelle) Interesse an ihrem Mann verloren, weil er “Grillwürste kauft, die keiner isst” und “weil er morgens seine Sekrete bei unabgeschlossener Klotür ausdrückt”.

“Agnes und seine Brüder” ist der schlechteste Film, den ich in letzter Zeit gesehen habe. Was vor allem an der Regie und am Drehbuch liegt. Für Beides ist Oskar Roehler verantwortlich, der mit “Agnes..” ein ganz und gar unreifes Werk abliefert, in dem überzeichnete Personen den Mangel an Erzählvermögen auszugleichen versuchen.

Der Film beginnt mit einem Film. Agnes erzählt von ihrem Vater. Ein Dokumentarfilm über Agnes? Die filmende Dame ist die Dame, bei der Agnes später wohnt? An keiner Stelle erfahren wir, was es denn mit dem Dokumentarfilm auf sich hat.

Die vor allem von mittelständischen Unternehmen warmgehaltetene Diskussion um das Dosenpfand ist Roehler so wichtig, dass er sie zum zentralen Thema der beruflichen Tätigkeit von Werner, dem grünen Staatssekretär, macht. Um zu zeigen?

Es ist nicht erzählenswert weil voraussagbar, dass der “sexsüchtige” Hans-Jörg [Moritz Bleibtreu] sowohl beim Spannen erwischt wird als auch in einem Pornofilm mitspielt und im entscheidenden Moment keine Ejakulation hat. Und die nach Art einer Therapiegruppe gestalteten Treffen der “Sexsüchtigen”, für die Oskar Roehler nichts als Klischees und billige Lacher übrig hat?

Und der schwule (?) Diener des Vaters? Am Anfang sitzen Werner und Agnes mit Ihrem Vater [Vadim Glowna] draußen am Kaffeetisch. Heinz, der Diener [Ralph Herforth] , teilt Kuchen aus und fängt plötzlich an zu weinen. Es ist der Geruch des Kuchens, entschuldigt bitte, sagt er. Die Szene ist witzig, hätte aber auch in eine Show von Dieter Hallervorden gepasst.
Agnes [Martin Weiß] wäre alleine einen ganzen Film Wert gewesen. Sie steht aber, wie der Titel vermuten ließe, noch nicht einmal im Zentrum des Films, der mehr als die Leistung seiner Schauspieler nicht zu bieten hat.

“Agnes uns seine Brüder” lief am 2.11.2004 im Stuttgarter Kino Delphi.

“Rhythm is it” ist ein Dokumentarfilm. Er begleitet die Proben zu einer Aufführung von Igor Stravinskys “Sacre de Printemps” (Frühlingsopfer), bei der die Berliner Philharmoniker unter Leitung von Sir Simon Rattle auf 250 Schülerinnen und Schüler verschiendener Berliner Schulen treffen. Dabei schenkt der Film den Anstrengungen der tänzerisch und musikalisch ungeformten Kinder und Jugendlichen, die von einem Team um den englischen Choreografen Royston Maldoom angeleitet werden, mehr Aufmerksamkeit, als den Orchesterproben der Berufsmusiker. “Rhythm is it” möchte zeigen, dass von künstlerischer Erfahrung wichtige Impulse für heranwachsende Menschen ausgehen können; besonders wichtig ist ihm die Infragestellung des vermeindlichen Widerspruchs zwischen “niedrigem” Sozialstatus und “hoher” Kunst.

Film ist Filmerleben und Filmerinnern. Bei guten Filmen lebt das Filmerleben im Filmerinnern fort. Schlechte Filme verblassen in der Erinnerung sehr schnell.”Rhythm is it” ist kein schlechter Film, aber die Erinnerung an ihn läßt ihn in einem etwas anderen Licht erscheinen.

Bei “Rhythm is it” hängt das mit der einem Naturspektakel ähnelnden Musik von “Sacre de Printemps” zusammen, deren filmisches Potenzial jeden Dokumentarfilm erdrücken muss. Diesem Umstand erliegen auch die Regisseure Thomas Grube und Enrique Sánchez Lansch. So muss der Film vor allem da scheitern, wo man seinen Höhepunkt erwartet hätte: bei der Premiere. Die Nahaufnahmen und Schnittwechsel bemühen sich um Ausdruck und Dynamik, erreichen diese aber nicht, weil ihnen die Musik “im Weg steht”.

Stark, interessant und mitunter sogar ergreifend ist “Rhythm is it” an den Stellen, wo die Musik im Hintergrund bleibt und der Film sich einfühlsam mit seinen Akteuren befasst. Das sind einerseits die Schülerin Marie (14 Jahre) und die Schüler Martin (19) und Olayinka (16) und andererseits die Choreografen Royston Maldoom und Susannah Broughton und der Dirigent Sir Simon Rattle. Während jene beispielhaft für die Gruppe der Laientänzer stehen, personifizieren Maldoom und Rattle die sozial engagierten Berufskünstler. Und die Biographien beider Gruppen sind, so will uns der Film zeigen, so verschieden nicht: Simon Rattle und Martin teilen den Charakterzug des Sonderlings; Olayinka und Royston Maldoom sind – wenn auch auf ganz verschiene Art – Tanznaturen; Susannah Broughton und Marie zeichnet ihr Ehrgeiz aus.
“Rhythm is it” ist dort am schwächsten, wo er durch das, was er will, “gewollt” wirkt. Der pädagogische

[Simon Rattle, Ryston Maldoon, Susannah Broughton]
Anspruch des Films ist besonders da altväterlich, wo er pädagogisiert, wo er Disziplin so wichtig macht, wo er zeigt, wie man es nicht macht, wo er Einzelnen sagt, dass sie es so ganz bestimmt nicht schaffen. Der Film ist dort am stärksten, wo er persönlich und unprätenziös ist. Wo er zeigt, dass es sich lohnt, sich auf etwas einzulassen. Dass man ist, wie man ist und dass man auch mal anders sein kann. Und dass sich manche Anstrengung lohnt.

“Dass es sich lohnt ein Opfer zu bringen, damit es Frühling wird.”

Der Dokumentarfilm “Rhythm is it” lief am 27.10.2004 in originaler Fassung mit Untertiteln im Stuttgarter “Atelier am Bollwerk”.

Welche Bedeutung haben die Dinge, die wir wahrnehmen?
Seit 9-11 und dem entsetzten Ausruf des US-Präsidenten: „We are under attac“ haben zum Beispiel Turbane, Reisetaschen und Nationalflaggen in den USA eine ganz andere Bedeutung. So wie bei uns ein links und rechts auf Nasenbreite beschnittener Unterlippenbart und markige Worte seit dem Zweiten Weltkrieg einen Unterschied machen.

Wie man darüber spricht und denkt hat so große Bedeutung, daß sich Lager bilden, die dem überwunden geglaubten Nationalismus unter dem Deckmantel eines Euphemismus namens „Heimatschutz“ zu einer neuen Renaissance verhelfen.

Es gibt sowohl in Deutschland als auch in Amerika relativ wenige Künstler, die die krankhaften und faschistoiden Tendenzen innerhalb dieser normal-werden-wollenden Alltags-Hysterie zum Thema gemacht haben. Gegen eine intensive geheimpolizeiliche Bekämpfung des Terrorismus soll hier nicht gesprochen werden.
Um etwas zum Thema Bedeutung beizusteuern, könnte man sagen, es geht um die Entwicklung demokratischer Sitten, ja auch um die Wahrung schmerzhaft weise gewordener Rechtsstaatlichkeit. Dann fällt einem natürlich Hannah Arendts reden über die Bedeutung der Privatheit und des öffentlichen Lebens ein. Man könnte auch sagen, die Beförderung von Angst untergräbt Demokratie und befördert die Unterordnung unter pathetische Phrasen und die dem folgende Herrschaftsform ist Faschismus.

Michael Moore ist lustig und schlau, aber er benutzt Information ebenfalls als Spielball, nur für seine Gegenpropaganda, der scheinbar zu den ‘Guten’ gehörenden Seite. Da ist Vorsicht geboten. Es bleibt Propaganda und damit haben wir verdammt schlechte Erfahrungen gemacht.
Also sind tatsächlich seither die US-Amerikaner „under attac“.
Man kann sich fragen, welche Bedeutung das 1932 erschienene Buch „Schöne neue Welt“ hat, in der das „Big brother is watching you“ Schauervorstellung und Warnung zugleich ist.
Dies ist meine These: Zuallererst wird US-Amerika von hirnvernebelnder Propaganda attakiert und in seinen freiheitlichen Grundfesten gefährdet. Das macht Sorge.

Wim Wenders, der in Los Angeles und Berlin lebende Filmregisseur, hat nun mit „Land of Plenty“ innerhalb von nur 16 Tagen einen Film gedreht, der das veränderte Lebensgefühl und das Sicherheitsempfinden im Alltag thematisiert.

Zuerst sei gesagt, ich halte diesen Film für eine Skizze, ein Statement, nicht für ein Sittengemälde und nicht für einen Roman. Ich erwarte von einem mit der Handycam gedrehten Film kein durchgestiltes Epos. Aber ich halte diesen aus meiner Sicht sehr politischen Film für das Beste, was zu diesem Thema derart nah an die amerikanischen Befindlichkeiten herankommt. Es wird, wie sonst üblich, kein Luxusleben gezeigt, sondern die Kehrseite des großen Mythos, den die USA von sich selber gerne verbreitet wissen will.

Ein hartgesottender Vietnam-Veteran (Paul) mit kantigem Asphalt-Cowboy-Gesicht verbringt seine Zeit in einem mit Kameras, Bildschirmen und Richtmikrophonen vollgestopften Kleinbus, mit dem er durch L.A. fährt. Auf dem Kopf trägt er einen aus Mikrophon und Kopfhörer bestehenden Headset, mit dessen Hilfe er alles, was er sieht, kommentiert und penibel mit Zeit- und Ortsangabe versieht.
Er interpretiert seine Wahrnehmungen nach Aspekten der öffentlichen Sicherheit und ist mit dem Schutz der amerikanischen Öffentlichkeit vor dem offenbar überall lauernden Terrorismus befaßt. Scheinbar unsichtbar für Fußgänger, Autofahrer und Verkehrsteilnehmer – wie ein Engel – nimmt er Risiken wahr oder bemerkt verdächtige Bewegungen

Gleichzeitig kommt ein junges Mädchen (Lana) mit dem Flugzeug aus Israel in ihrer alten Heimat Los Angeles an. Sie sucht den einzigen Verwandten, den sie nach dem Tod ihrer Mutter noch hat, den Bruder ihrer Mutter. Lana wird am Flughafen vom Chef einer christlichen Mission abgeholt. Auf dem Weg zur Mission wechseln die Bilder von L.A. zwischen hypermoderner glatter Hochhausarchitektur und Straßenszene Verwahrloster. Das Mädchen arbeitet in der Mission mit den Obdachlosen und sucht in ihrer Freizeit ihren Onkel, bzw. wechselt Emails mit Freunden, mit denen sie im vom Terror geschüttelten Israel eine Jugend teilt.
Dieses junge Mädchen wird als überzeugte Christin gezeigt, die ihre Verwirrung in der für sie neuen Lebenssituation durch Gebet zu meistern versucht. Wenders zeigt eine wirklich junge Frau, die offen und ungeformt ist. Sie unterscheidet sich von den bereits aalglatten und langweiligen Überzüchtungen, die sonst üblich unsere Sinne verkleistern. Allerdings mag verwirren, das die junge Frau in ihrer Unschuld tatsächlich etwas Heiliges umgibt.
Paul, der hartgesottene Vietnam-Veteran, wird von einem Werkstattmechaniker unterstützt, der für Paul Recherche-Aufträge erfüllt und z.B. chemische Analysen von vermeintlich vergifteten Trinkwassers erstellt; weil doch schließlich Terroristen das Trinkwasser jederzeit nutzen könnten, um die Amerikaner “under attac” zu halten. Für Paul, der von seinem Mechaniker “Seargeant” genannte wird, sind die Vietkong überall, sie sind das Ur-Trauma, dessen Fortsetzung nun arabisch spricht.

Dadurch ist der Gegensatz des Filmes markiert.
Der paranoide hysterische Paul und die marienhafte Lana. Beide haben sich noch nicht gefunden, beide sehen die Wirklichkeit von L.A. mit anderen Augen. Beide scheinen unterschiedliche Erfahrungen mit Terror zu haben.

Paul zitiert fortwährend Kriegserlebnisse aus Vietnam. Lana spricht über Liebe – und beiläufig, aber mit differenziertem Mitgefühl, wird über neuerliche Anschläge und Palästinenser-Unruhen in Israel berichtet.
Paul sieht in den Straßen von L.A. den Terror lauern. Lana sieht gestrandete Existenzen, die Hunger haben.
Als sie zusammen kommen, treffen Welten aufeinander. Zwischen dem jugendliche Naivchen und der kriegserfahrene Terror-Profi entstehen zwangsläufig Mißverständnisse.

Die Verwirrung wird noch gesteigert, als ein von Paul verfolgter verdächtiger „Araber“, der als Obdachloser in einem Karton in der Nähe der Mission lebt, erschossen wird. Gleichzeitig gibt es jetzt offenbar einen Grund, sich die Unterschiede klar zu machen.
Lana erweist sich als willensstark. Sie ist es nun, die Paul immer mindestens einen Schritt voraus ist und zwar durch ihre ganz natürlichen Impulsen folgende Handlungen und der gefühlsmäßigen Anteilnahme mit dem Mord an einem Menschen. Paul, der im Rahmen seiner Observationstätigkeit dem Mord aus sicherer Distanz beigewohnt hatte, vermutet dagegen, dass hinter dem Mord eine große Verschwörung steckt.

Während Paul also ständig versucht, Amerika retten und aufrecht zu halten, arbeitet Lana im Hier und Jetzt und teilt essen an Obdachlose aus und kümmert sich um die würdige Bestattung eines Ermordeteten.

Die Handlung eskaliert, als Paul auf der Jagd nach den vermeintlichen Hintermännern in das Schlafzimmer einer alten Dame gerät, wo sich herausstellt, dass die vormals verdächtigen ‘waffenfähigen’ Putzmittel-Kartons mit der verdächtigen Aufschrift „Borax“ nichts anderes als Umzugskartons sind. Die pflegebedürftige Dame liegt im Bett und beklagt sich darüber, daß sie nur einen TV-Sender empfangen kann, in dem immer nur dasselbe zu sehen ist. Man hört G. W. Bush bei einer seiner ständigen Ansprachen ans Volk. Paul neigt sich zu dem Gerät wie zu einem Volksempfänger und haut mit der Faust darauf, dann endlich wechselt der Sender zu einem Comic.

Während dessen trinkt Lana mit dem Bruder des Ermordeten Tee.

Paul fallen die Schuppen von den Augen und er erkennt das Lächerliche und Krankhafte an seinem Denken und Handeln.

Er kehrt zu den Teetrinkern zurück und übt sich in Bescheidenheit. Auf einer Fahrt durchs Land, ziehen die ganzen US-Mythen in kurzen großartigen Bildern an den Reisenden vorbei.
Der Mythos dieses Landes ist schön, aber er ist nicht den Horror der Angst und die Katastrophe einer alles überwachenden und besetzenden Weltherrschaft wert.

„Big brother is watching you“ ist die Hölle.
Auf diese paranoide Hölle der vermeintlichen Rechtschaffenheit macht der Film von Wim Wenders aufmerksam. Er löst nichts, verklärt nichts, er erzählt auch nicht durchgängig und zu Ende. Es gibt Anfänge aber auch Sackgassen.
Das alleine ist in dieser überspannten Zeit schon viel:

Der amerikanische Mythos darf sich verwandeln und muß nicht paranoid in einbalsamierter Form für die Ewigkeit unverändert bleiben.
Am Ende stehen Paul und Lana am Rande der Baustelle von Ground Zero, diesem zu falschen neuen Mythen taugende, von G.W. Bush immer wieder zu Propagandazwecken mißbrauchten Trauer-Grund.

Paul bemerkt enttäuscht (in etwa): “Ach, ich hätte mir das hier viel großartiger vorgestellt. Es ist ja nur ein ganz normale Baustelle”
Willkommen in der Realität.

Die “Baustelle” scheint mir ein stimmiger moderner Mythos, der andere Aufmerksamkeit verlangt, als das kriegerische Kontroll-Getue, das uns ins Chaos stürzen will.

Wim Wenders ist ein Maler herrlicher Bilder und hat Gespür für tolle Musik. Ihm ist ein ehrliches und gutes Stück Kunst gelungen.

Dem Chor der obligatorischen Wenders-Spötter möchte ich zurufen: Schere aus dem Kopf, hingucken, nachdenken.

Kai Hansen

Zwei Jahre nach dem Attentat vom 11. September kommt Lana (Michelle Willams) nach einem langjährigen Auslandsaufenthalt – zuletzt in Israel – in Los Angeles an. Sie wird von einem Bekannten ihrer verstorbenen Mutter abgeholt und erhält ein Zimmer in einer Missionsstation mitten in der von Armut gezeichneten kalifornischen Stadt. In ihrem Rucksack, der all ihr Hab zu Gut enthält, hat sie einen Brief für ihren Onkel Paul, den ihre Mutter kurz vor ihrem Tod verfasst hat. Paul (John Diehl), der einzige noch lebende Verwandte Launas, ist Vietnamveteran und fährt als in einem nach Geheimdienstmanier ausgestatteten Kleintransporter auf der Suche nach Hinweisen für islamistische Terrorakte als ‘verdeckter Ermittler’ durch Los Angeles. Während Lana der Welt mit Liebe gegenübertritt und häufig keine Worte mehr findet für die Grausamkeiten der heutigen Welt, wird Paul von paranoidem Misstrauen und dem Zwang getrieben, die Wahrnehmung seiner Umwelt nach Art eines polizeilichen Beobachtungsprotokolls zu versprachlichen. Paul durchlebt ein “aktualisiertes” Vietnamtrauma in einer von “islamischen Terroristen unterwanderten Welt”.

Die an wärmesensible Aufnahmen erinnernden Bilder des Filmvorspanns sind sehr gelungen und wecken Erwartungen an einen guten Film, die leider nicht erfüllt werden. Zweifelsohne hat Wim Wenders ein Auge für Bilder, ein Ohr für Musik und eine Hand für seine Schauspieler, ein Händchen für eine Geschichte hat er aber nicht. Wenders weiß um bedeutungsvolle Orte und starke geschichtliche Ereignisse. Er zögert weder das Konfliktpotenzial von Los Angeles für seinen Film zu nutzen, noch das Konfliktpotenzial des “Elften Septembers”. Die Menschen, die er aber dieses Konfliktpotenzial “leben” läßt, bleiben flach und unentwickelt. John Diehl (u.a. Pearl Harbour, Jurassic Park III) und Michelle Williams (u.a The Station Agent) leisten in den Rollen von Paul und Lana sehr gute Arbeit,
als Identifikationsfiguren ignoriert der Regisseur sie jedoch. Er bevorzug die Stilisierung seiner Figuren, statt uns mit ihrer Hilfe den Film erleben zu lassen.

Als in der Nähe der Mission, in der Lana arbeitet und untergebracht ist, aus einem fahrenden Wagen ein Brandsatz auf unter Pappkartons schlafende Menschen geworfen und ein Bettler erschossen wird, ist das plötzlich anders. Jetzt sieht, fühlt und erlebt man, was die bis dahin vorgeführten Bilder, die Musik und die Dialoge “meinten”. Jetzt sieht, fühlt und erlebt man die Liebe, mit der Lana dem Leid begegnet. Jetzt, als sie sich hilflos um das Leben des bereits blutspuckenden Sterbenden bemüht. Und jetzt sieht, fühlt und erlebt man die Gefühltskälte des sich auf Misstrauen beschränkenden Paul, dem das menschliche Leben, das er sich doch zu schützen vorgenommen hat, herzlich egal zu sein scheint. Warum sollte er Mitgefühl zeigen, wenn es “cooler” ist, den Umstehenden zu sagen, dass das Geschoss, von dem der Mann getroffen wurde, im Körper geplatzt ist und ein riesiges Loch verursacht hat. Wenn denn Paul den Zustand der nordamerikanischen Gesellschaft versinnbildlicht, was läge näher, als die Zwanghaftigkeit dieser Haltung jetzt zu thematisieren.
Doch der Film läßt sich auf die Personen nicht weiter ein und entwickelt sich qualitativ nicht weiter. Vielmehr fällt er immer wieder in eine floskelhafte Erzählweise zurück. Die Weltsicht des filmischen Pauls – von den paranoiden Elementen einmal abgesehen – ist der filmischen Behandlung des Stoffs durch Wim Wenders mitunter ähnlicher, als es diesem recht sein kann.

Erst gegen Ende von “Land of Plenty” kommen wir dem Protagonisten Paul und dem von misstrauen geprägten Lebensgefühl (einer ganzen Gesellschaft?) näher. Doch als dieser endlich lebendig wird, ist der Film beinahe zu Ende. Für die Qualität des Drehbuchs spricht dabei nicht, dass die Situation, die diesen Wandel einleitet, vorraussagbar und peinlich komisch wirkt.

[siehe auch: die andere meinung zum film: kai hansen]

Der mit dem Oscar für den besten nicht englischsprachigen Film ausgezeichnete “Alles über meine Mutter” (1999) und der mit dem Oscar für das beste Drehbuch ausgezeichnete “Sprich mit ihr” (2002) gefielen mir nicht mehr. Mit “Frauen am Rand eines Nervenzusammenbruchs” hatte ich mich zumindest noch sehr amüsiert. Danach, so fand ich, litten die Filme des ehemaligen Enfant Terrible des spanischen Films am internationalen Erfolg, den er durch “Frauen am Rand…” schließlich erlangt hatte. Und grad das Drehbuch von “Sprich mit ihr” war für mich einfach schlecht, alleine schon wegen der überflüssigen Rolle der von Rosario Flores mäßig verkörperten Stierkämpferin. Aber das ist eine andere Geschichte.
Die Kritik in Spanien behandelte den Film “Schlechte Erziehung” rücksichtsvoll, aber ohne Enthusiasmus. Ich wußte, dass er in diesem Jahr das Festival in Cannes eröffnet hatte. Und ich wußte – was für mich schwerwiegender ist – um Almodóvars immer wieder aufblitzenden, gekünzelten Hang zum Skurilen

Auch in seinem neusten Film gibt es diesen Hang.

Der Transvestit Zahara spricht bei Vater Manolo vor. Dieser ist immer noch Leiter der Klosterschule, die Zahara besuchte, als sie noch Ignazio hieß. Zahara will Vater Manolo erpressen, weil dieser sich an Ignazio vergangen hatte. Im Verlauf des Gesprächs steht der ebenfalls anwesende Vater José plötzlich auf, stellt sich hinter Zahara und bricht ihr durch eine rasche und geräuschvolle Kopfverdrehung nebenbei mal eben das Genick.
Der Unterschied zu früheren Filmen des Spaniers ist nun aber der, dass anschließend die Kamera zurückfährt und das Ganze als das zeigt, was es ist: eine im Studio gedrehte Filmsequenz. Dass er grade an der abwegigsten Stelle des Films zu diesem Mittel greift, läßt nicht nur den Schluss zu, dass Almodóvar in “Schlechte Erziehung” sich dieser Abwegigkeit bewusst ist, sondern gibt auch Anlass für die Frage, ob alle in früheren Filmen wahrgenommenen Abwegigkeiten nicht bewusst eingesetzte Stilmittel waren.

Bei der filmischen Relexion des eigenen Schaffens und des eigenen ichs ist der spanische Regisseur auf jeden Fall noch nie so weit gegangen. Für den Zuschauer und die Zuschauerin ist dabei von geringerer Bedeutung, dass Almodóvar selbst lange Zeit Schüler einer Klosterschule war, ähnlich wie der kleine Ignazio, wunderschön singen konnte, und ähnlich wie der von Fele Martínez dargestellte Enrique, homosexuell und erfolgreicher Regisseur ist. Mit anderen Worten: Autobiographisches Material wird von Almodóvar aufgegriffen, aber im Sinn des Films und der zu erzählenden Geschichte umarrangiert. So heißt die Produktionsfirma von “Schlechte Erziehung” “El Deseo” (der Wunsch, die Begierde) im Film selbst aber “El Azar” (die unvermutete Begebenheit, Schicksal, Unglück); wie bereits erwähnt, kann Ignazio zwar auch gut singen, zum bekannten Filmregisseur wird aber sein Freund Enrique. Durch die Neuformulierung von inhaltlich Bekanntem gibt Pedro Almodóvar bekannten Formen neue Bedeutung. Und mit der Thematisierung des Filmens zeigt er eine unerwartet hohe künstlerische Reife, die nicht nur, wie oben bereits angedeute, sein gesamtes Werk in einem etwas anderen Licht erscheinen lässt, sondern auch für die in “Schlechte Erziehung” erzählte Geschichte Konsequenzen hat. Denn mit einem Mal wird deutlich, dass alle Geschehnisse um Zahara, die wir vor dem “Mord durch Genickbruch” gesehen haben, Teil der im Film verfilmten Geschichte mit dem Titel “Der Besuch” sind, die Ignazio seinem Schulfreund Enrique nach vielen Jahren zur Verfilmung anbietet.

Almodóvar versteht seinen Film als Kriminalgeschichte in der Tradition des “Film Noire”, den Robert Sklar in “Movie-made America: A Cultural History of American Movies” folgendermaßen definiert: “Das Kennzeichen des Film Noir ist sein Sinn für in einer Falle sitzende Menschen – gefangen in einem Netz von Paranoia und Angst, unfähig, Schuld von Unschuld zu unterscheiden, echte Identität von falscher. Die Bösen sind anziehend und sympatisch … . Seine Helden und Heldinnen sind schwach, verstört. Die Umwelt ist düster und verschlossen, die Schauplätze andeutungsweise bedrückend. Am Ende wird das Böse aufgedeckt, aber das Überleben der Guten bleibt unklar und zwiespältig” (zitiert nach Wikipedia). Ohne Zweifel treffen viele dieser Elemente auf “Schlechte Erziehung” zu. Ob dieser Film aber ein guter “Film Noire” ist, soll dahin gestellt bleiben. Auf jeden Fall erzählt er eine sehenswerte und spannende Geschichte.

[Gael García Bernal]
Der Film “Schlechte Erziehung” (La Mala Educación) von Pedro Almodóvar lief am 17.10.2004 in synchronisierter Fassung im Stuttgart Delphi.

Der Film, so kündigt das Kinoprogramm des Stuttgarter Kommunalen Kinos (Koki) an, ist das Erstlingswerk von Sofia Coppola, eine Regisseurin, die mit “Lost in Translation” (2003) drei Oskar-Nominierungen für Regie, Drehbuch und besten männliche Hauptdarsteller (Bill Murray) schaffte. Und der eine oder andere Academy Award wäre sicherlich nicht unverdient gewesen.
Die Jahre, die zwischen den beiden Filmen liegen, kann man sehen. Was “Lost in Translation” für mich so sympathisch gemacht hatte, war die ganz und gar unprätentiöse, einfache Geschichte und die Beschränkung a) auf zwei Schauspieler, b) auf die behandelte Zeitspanne von nur wenigen Tagen und c) auf einen Ort, nämlich ein Luxus-Hotel in Tokio.
Coppola liegt diese Einfachheit offensichtlich, denn sie findet sich in durchaus wiedererkennbarer Form auch in “Virgin Suicides” wieder. In dem von ihr selbst adaptierten Drehbuch (Original von Jeffrey Eugenides, der mit “Middlesex” Weltruhm erreicht hat) richtet die Regisseurin ihren Blick aber auf ein Thema, das alles andere als einfach ist: der gemeinsame Selbstmord von vier heranwachsenden Schwestern aus “gutem Haus”.
Hintergrund ist das Leben einer kleinbürgerlichen Familie in einer nordamerikanischen Kleinstadt. Die Geschichte, die übrigens auf tatsächlichen Ereignissen beruht – was immer das heißen mag – spielt in den frühen 70er-Jahren, die Sofia Coppola ” nicht als Ära des Liberalismus feiert, sondern als
Hort kleinbürgerlichen Denkens darstellt.” (www.artechock.de). Am Anfang des Films steht der Selbstmordversuch der jüngsten Schwester. Sofia Coppola schildert diesen aus einer neutralen Perspektive, kommt aber durch den Dialog von Arzt und geretteter Patientin direkt zur Sache. Auf die monologisierend geäußerte Anmerkung des älteren Arztes, dass es doch keinen Grund gäbe “so etwas” zu tun, bemerkt die jüngste Tochter der Familie Lisbon nur abweisend: “Sind Sie denn schon mal ein 13-jähriges Mädchen gewesen?!”
Mr. Lisbon, der Vater der Familie – ein von James Wood überzeugend dargestellter Endvierziger – ist Lehrer an der Schule seiner Töchter. Mrs. Lisbon, die Mutter – eine sehr glaubhafte Kathleen Turner – ist der Mittelpunkt der Familie, der sich und “den Ihren” mit einer auf Frömmelei gründenden, fröhlichen Kaltherzigkeit begegnet und wenig Anderes im Sinn führt als die Jungfräulichkeit ihrer Töchter zu hüten.

Nach dem Schulball, zu dem der hübsche Trip Fontaine (Josh Hartnett) die ihn scheinbar wenig Beachtung schenkende Lux – die älteste Lisbon-Schwestern – einlädt, kündigt sich das triste Finale des Films an. Obwohl sie in Begleitung ihrer Schwestern und deren Verehrern zum Tanzball fährt, kommt Sie am anderen Morgen alleine zu Hause an: in aller Heimlichkeit auf dem nächtlichen Football-Feld entjungfert und, noch schlafend, von Trip Fontaine dort auch zurückgelassen, hat sie sich vor allem in den Augen ihrer Mutter an sich und anderen schuldig gemacht. Die Mutter zwingt Lux dazu ihre gesamte Plattensammlung zu verbrennen; alle drei Schwestern erhalten darüber hinaus strengsten Hausarrest. Ihnen wird der Kontakt mit der Außenwelt und sogar der Schulbesuch untersagt.

Der im Off immer wieder zu hörende Erzähler, der die Ereignisse wie aus der Erinnerung kommentiert, mit einander in Beziehung setzt oder einfach nur erklärt wird nun aus Handlungsträger. Die Stimme gehört einem der drei Schulkameraden der Mädchen, die diese auch auf den Schulball begleitet hatten. Aus der betroffenen Distanz versuchen die drei männlichen Heranwachsenden Kontakt zu den Mädchen aufzubauen. Sie beobachten Lux, die älteste der drei Schwestern, die nun regelmäßig auf dem Vordach des Elternhauses mit unbekannten Männern schläft. Dann rufen sie einander an, aber statt zu sprechen, spielen sie sich Platten vor, und schließlich kommt es zu einer nächtlichen Verabredung. Die Jungs schleichen sich zum Nachbarhaus. Die Hintertür ist offen. Lux sitzt dort und raucht. Einen Moment noch, sagt sie. Die Eltern schlafen noch nicht, sagt sie. Sie meint aber, dass die Überdosis Schlaftabletten, die eine Schwester genommen hat, ihre tödliche Wirkung noch nicht erreicht haben. Die andere Schwester hat sich Keller erhängt; sie geht schließlich in die Garage und erstickt sich dort mit Kohlenmonoxyd.

Einige persönliche Sachen bleiben den Jungs: Platten, Bilder. Kaugummipapier, Briefe und ein Tagebuch. Dinge, die ihnen helfen sollen, das Unverständliche zu verstehen.

Sofia Coppola gelingt ein ambitioniertes Regiedebüt. Vielleicht ein wenig zu ambitioniert für ein Erstlingswerk. Sehr amerikanisch in Form und Inhalt, aber noch nicht Film genug, um zu überzeugen. Vor allem ist es die Einbeziehung der Zuschauers, die m.E. nicht funktioniert. Die Stimme im Off sagt häufig, was wir eigentlich sehen sollten. Niemand im Film nimmt uns mit und zeigt uns wie furchtbar die Geschehnisse doch tatsächlich sind. Es wird gesagt, dass sie furchbar sind, aber erleben tun wir das nicht. Alle Personen sind wir durch eine Folie aufgenommen und merkwürdig flach. Diese Distanz funktioniert, um die Eltern in ihrer Gefühlskälte zu beschreiben. Warum ist Lux die Einzige, die den hübschesten Jungen der Schule (Josh Hartnett) unbeachtet lässt? Provoziert sie ihn oder ist er ihr wirklich egal. Und ist die Liebe zu ihm wenigstens in ihren eigenen Augen wahr? Als Lux ihre Platten verbrennt, entsteht so viel Rauch im Haus, dass die Mutter beschließt, die restlichen Platten in den Mülleimer zu werfen. Als sie die Haustüre öffnet, wird sie von dicken Qualmwolken begleitet. Das wirkt witzig, kann aber nicht so gemeint sein.

Auch ist die Fotographie sehr fade und die in zahlreichen Situationen zusehenden Bildmontagen (Aufteilung der Leinwand in zwei Teile, die röntgenaugenartige Einblendung der handschriftlichen Kritzelei “Trip” auf dem Slip von Lux, als diese fertig angezogen zum Ball abgeholt wird, Erinnerungsüberblendungen, Weichzeichnungen…) vollkommen fehl am Platz. Sofia Coppola bringt zu oft Form und Inhalt durcheinander. Aber was soll es: kein rundum gelungener, aber doch ein ganz guter Film.

“Virgin Suicides” ist Sofia Coppolas Spielfilmdebüt. Der Film war am 2.10.2004 in synchronisierter Fassung im Stuttgarter Koki zu sehen.

“Vacas”, “La Ardilla Roja”, “Los Amantes del Circulo Polar”, “Tierra” (dt. Tierra), “Julia y el Sexo” (dt. Julia und der Sex) sind die wichtigsten Spielfilme des im baskischen San Sebastian 1956 geborenen Regisseurs Julio Medem. Ausgezeichnet wurden seine Filme von zahlreichen internationalen Festivals; den begehrten spanischen Goya-Filmpreis erhielt Medem für alle nur denkbaren Kategorien. Für “La Pelota Vasca” erhielt er, meines Wissens weder einen Goya noch einen anderen Preis, lieferte jedoch einen Dokumentarfilm ab, der zumindest in den Augen der in Spanien bis April 2004 regierenden Volkspartei polemischer nicht hätte ausfallen können.

Julio Medem beschäftigt sich in seinem 2003 entstandenen Film mit dem Einfluss der Terrorgruppe ETA und deren Umfeld auf die baskische Gesellschaft. Interviewt werden mehr als 50 Personen. Aufgelockert werden die Interviews durch Landschaftsaufnahmen, Aufnahmen
von taditionellen, baskischen Sport- und Kultureignissen sowie Spielfilm- und Dokumentarfilmsequenzen zum Thema Terrorismus. “La Pelota Vasca”, wörtlich, “der Baskische Ball”, ist ein im Baskenland populärer Volkssport, der innerhalb eines an zwei Seiten von hohen Mauern begrenzten, ca. 20 m langen Spielfeldes mit der Hand, einem Holzschläger oder einem schaufelartig verlängerten Handfortsatz gespielt wird. Der “Baskische Ball” ist, wie vieles im Baskenland, ein reiner Männersport.
Warum der Film aber nun so heißt wie er heißt, bleibt unklar. Auch wird der sicherlich interessante Sport nicht weiter erläutert. Weder wird der kuriose “Handfortsatz” erklärt, noch erfährt man etwas über den Hintergrund des Sportes. Dieselbe illustrative Behandlung erfahren andere im Film auftauchende, sehr “rustikal” erscheinende Traditionen wie das Holzhacken, das Steinblöcketragen und das Ochsenführen.
Vieles seltsam urwüchsig und auf beinahe bedrohliche Art authentisch. Baskisch? Mit ein wenig Neugierde seitens des Autors wäre uns vielleicht das Vorurteil erspart geblieben, dass Basken stark, roh und ungehobelt sind. Die zahlreichen Landschaftsaufnahmen scheinen einen weiteren Allgemeinplatz zu bilden, dem sich Julio Medem bei seiner Dokumentation ebenfalls nicht entziehen kann.

Die aus geringer Flughöhe aufgenommene Alantikküste ist dabei nicht einmal hässlich. Wie denn auch. Aber für die sogenannten entwickelten Gesellschaften gilt, dass “Natur und Kultur” ein widersprüchliches Verhältnis zu einander haben. Entweder das eine oder das andere. Und immer wenn die Natur dazu herhält Sphären der Kultur zu erklären oder zu rechtfertigen, wird es, vorsichtig gesagt, eng für die Vernunft. Grade weil die Natur in uns oft Erinnerungen an Dinge weckt, die wir, Kulturmenschen, die wir sind, überhaupt nicht kennen, niemals gekannt haben oder, gottseidank, nie haben kennen lernen müssen. Die seltsame Verklärung der Natur findet sich auch an anderer Stelle wieder, denn die meisten interviewten Personen werden “vor der Natur” aufgenommen und, durch eine über diese hinwegfahrende Kamerafahrt, schließlich sogar “aus dieser entfernt” – was nur befremden kann. Soll hier auf die “wahren und ewigen Dinge” verwiesen werden, vor denen der Mensch und seine Probleme letztlich unerheblich ist?

Weiter verwundert der Umstand, dass Medem weit über Menschen zu Wort kommen lässt. Weil ein Dokumentarfilm nun auch nicht länger als zwei Stunden sein sollte, und weil bestimmte Dinge “auf den Punkt gebracht” werden müssen, montiert Medem die Interviews nun so stark, dass viele im Film gesagten Sätze allein Ergebnis des Filmschnitts sind. Dem Autor soll an dieser Stelle nicht der Vorwurf der Manipulation gemacht werden. Auf der Suche nach seiner Idee, sind ihm nur die Interviewpartner mitunter etwas abhanden gekommen. Positiv anzumerken ist dabei allerdings, dass diese Schnitte nie verschleiert werden, sondern durch Bildsprünge sichtbar bleiben.

Allein der eifrige Zuhörer und die eifrige Zuhörerin – lassen wir den Zu-schauer mal beiseite – erfahren in dem Film viel Interessantes. Sie erfahren etwas über die karlistische Tradition der baskischen Unabhängigkeitsbewegung; über die Solidarisierung des konservativen Klerus mit dem linkem, gewaltbereiten Widerstand zu Francos Zeiten; über die Entscheidung eines Teils von ETA (ETA Militar) nach dem Staatsstreich von Tejero (23.2.1981) den bewaffneten Kampf aufzugeben; über die Sympathie Orson Welles für die Basken und über den Umstand, dass es heute im Baskenland nicht außergewöhnlich ist, das normale Bürger von Leibwächtern begleitet werden nur weil sie in irgendeinem Zusammenhang ihre Opposition gegen ETA ausgesprochen haben. Und sie erfahren, ich darf sagen “trotz des Films”, dass das baskische Problem der spanischen Gesellschaft (oder das spanische Problem der baskischen Gesellschaft) nur auf einem Weg gelöst werden kann, dem Weg des Dialogs.

Schlussanmerkung: Unbedingt ergänzt werden sollte das Filmerlebnis durch einen Besuch der hervorragenden Website des Films.

Aufgeführt wurde der 115 Minuten dauernde Film des spanischen Filmemachers Julio Medem am 03.10.2004 im Koki Stuttgart.